April 19

pelis de culto XIII: La Cosa de John Carpenter

Año 1982, Carpenter nos presentó uno de sus mayores fiascos comerciales (aunque hay que recordar que su estupenda filmografía, en general, jamás fue el paradigma absoluto de la comercialidad). Una historia de ciencia ficción que adaptaba por segunda vez la novela "Who goes there?" de John Campbell, después de la correcta versión de Christian Nyby "El Enigma de otro mundo" (del año 1951, y según las malas lenguas, rodada totalmente por Hawks, su productor). Carpenter ya había dado muestras de su brillantez como narrador de cine fantástico con una serie de películas míticas dentro del género, popularidad que acrecentó en años venideros con un estilo muy particular, austero en ocasiones, pero repleto de esa esencia que recorre el buen cine fantástico (obras como "Halloween", "La niebla" o "1997 : Rescate en Nueva York" deberían ser un ejemplo claro a la hora de rodar buen cine fantástico).

En esta ocasión, el argumento nos mostraba a un grupo de personajes aislados en una base de la Antártida. Nada más comenzar el filme verían amenazada su rutina diaria por un hecho harto extraño, un misterioso perro parecía traer dentro de si un parásito que imitaba toda vida existente con tal de sobrevivir al paraje helado donde acontece la acción. La perfección de sus imitaciones de seres vivos se convierte en el detonante del enfrentamiento interno dentro del grupo.

El filme contó con un guión de Bill Lancaster, y le sirvió a Carpenter para dar rienda suelta a su visión nihilista del ser humano. Su puesta en escena, brillante y cercana al espectador, brilló tanto en aquellos espacios abiertos donde hizo acto de presencia su habitual brillantez a la hora de rodar el panorámico, como en las escenas intimistas y esa calma tensa que se apoderaba del grupo de supervivientes. Su labor visual fue magistral, encuadres limpios, planos medios para la inmediatez de la amenaza o planos secuencia de gran descripción formal con respecto al amenazante lugar donde nuestros personajes luchan por sobrevivir. Acompañado eso si, de un guión sublime, que hacía especial énfasis en el enfrentamiento interno.

El filme fue un rotundo fracaso comercial y crítico, algo que visto hoy en día resulta risible, más teniendo en cuenta el reconocimiento futuro de esta obra maestra del cine fantástico, reivindicada por futuros cinéfilos y estudiosos de la historia del cine. Un ejemplo más de la ignorante visión de ciertos medios hacia el cine fantástico de su época ( muchos ejemplos hay de esta corriente, como el cine de terror de la Universal, la Hammer, el cine de Sci Fi de los años 50 en Usa, las adaptaciones de Poe por parte del controvertido Roger Corman, etc), ignorando el valor del cine de género como catalizador de la época en la que se desarrolla, y sus convulsos vaivenes sociales (algo evidente en cualquier estudio del cine fantástico de cada época), demostrando una vez más, que el cine fantástico es aquel que mejor trata su aspecto de denuncia sobre ciertos actos sociales que marcan nuestras rutinarias vidas.

Destacar también la labor actoral, un ejemplo claro de brillantez coral, no solo de su popular protagonista Kurt Russell (cada vez más indudable la evidencia que mostró la mejor cara de su carrera para el maestro Carpenter), sino de todo el reparto, haciendo creíbles todas y cada una de las actuaciones mostradas en pantalla. Un ejemplo claro de mimetismo actoral con la historia de trasfondo, sin sobreponerse ni dejarse engullir por unos efectos especiales magistrales por parte de Rob Bottin, dejándose de artificiales efectos y optando por lo artesanal como ejemplo claro de creación cercana y tangible. Sus criaturas, y todas las transformaciones que acontecen en el relato, son de una absoluta genialidad, resultando tan cercanos que ayudan a la credibilidad del relato, mezclándose de manera perfecta con los cuerpos de carne y hueso que pululan por tan sugerente lugar (la primera transformación del perro o la cabeza mutada en arácnido son acongojantes).

Desde un principio, con la aparición estelar de ese perro perseguido de forma incomprensible por parte de los científicos noruegos, Carpenter deja clara sus intenciones. Recurre al hecho más evidente del buen cine fantástico, ya comentado aquí en multitud de ocasiones, ya que no solo se conforma con introducir el elemento amenazante en un entorno cercano y seguro, sino que además lo hace mediante un ser en apariencia adorable y cercano, resultando aún más efectiva su carga simbólica de inseguridad y amenaza. En un alarde de brillantez poco habitual en el género, su director nos habla de la desconfianza, busca de manera artesanal y obsesiva dar forma corpórea a algo inaprensible, intangible, pero no por ello menos humano. Esa desconfianza nos acompaña a lo largo de toda nuestra vida siendo inconscientes de que realizamos este acto reflejo de introspección en nuestro día a día, y Carpenter lo explota de manera brillante con un enfrentamiento de desconfianza antológico, remueve en la herida de una de las lacras de nuestra sociedad, la incomunicación externa como vehículo paralelo de la desconfianza interna.

Un filme magistral, cuyas dobles lecturas solo otorgan aún más valía a un entretenimiento de primera clase, donde los elementos que conforman el relato se apilan de manera armoniosa para ofrecernos una pieza de orfebrería fantástica. Imprescindible.

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March 08

Discos inolvidables VII: Opeth - Blackwater Park 2001

Opeth no es una de esas bandas que pasan desapercibidas si eres una persona con oído abierto y con ganas de que te sorprendan.
El toque progresivo que tiene esta banda de death metal es sencillamente magistral. Influencias que van desde rock de los 70's, jazz, blues, etc.. Sin olvidarnos de los pasajes acusticos que les caracterizan y esas melodías/atmosferas que se transforman en rafagas de éxtasis.

"Blackwater Park" marca un punto de inflexión en la carrera de esta banda sueca, fue el principio de la etapa de unos OPETH sublimes, delicados.. y porque no decirlo, conocidos. Por entonces este nombre era un extraño, hasta la llegada de esta nueva etapa.

No espereis acordes rotos y riffs pesados como podíais encontrar en discos como "Morningrise", aquí la guitarra ha pasado a un punto acogedor, envolvente, deslizándose y creando una tensión armónica sin precedentes. Todo ello acompañado por una de las mejores voces Death Metal del panorama hacen de la atmósfera del disco una contínua oscuridad y melancolía de la que no puedes evadirte hasta la última canción.

La voz, caso aparte, continúa con sus tonos guturales alternándose con voces limpias, esta vez mejor producidas, más blancas y envolventes, y con la genial participación de Steven Wilson (PORCUPINE TREE) en ciertas canciones como "Bleak", que dan un tono notable y variado al disco.

Las canciones son, generalmente largas, pasando todas ellas de los 6 u 8 minutos, salvo la instrumental "Patterns in the Ivy", corte acústico de transición y de una gran calidad emotiva.

En canciones como "Bleak", "Dirge for November", "The Drapery Falls" la magnitud del estilo de OPETH se hace claramente visible, desmarcándose del Death Metal original para situarse con pinceladas progresivas dentro de un estilo único, lo que a estas alturas se agradece enormemente y se debe admirar, dado que escapan de los cientos de grupos fotocopia que salen al cabo del año... es lo que hacen grandes a estos suecos.

El primer corte del disco, "The Leper Affinity", es quiza el tema más rápido del disco, un tanto rabioso, empezando suavemente con una acústica y pasando a la acción rápidamente con una guitarra punzante y una voz totalmente hipnótica. Todo ello acompañado por una batería que no se limita a acompañar la música, sino que su función es claramente ornamental, muy plagada de detalles y rítmos quebrados.

Siguiéndole encontramos "Bleak", un medio tiempo único. La voz de Akerfeldt en esta canción sobrepasa el límite de la razón.. profunda.. oscura.. acompañada por una rítmica que da dinamismo a la canción mientras el riff principal se mueve con total soltura dentro del ambiente creado. Todo esto deriva en un momento acústico, un solo mas propio del Blues que del Death Metal y una pequeña participación vocal del antes mencionado Steven Wilson, transmitiendo un sentimiento de melancolía y añoranza inigualable.

"Harvest" es casi en su totalidad un corte lento, comenzando con un rítmo acústico adornado con acordes eléctricos. Todo ello aderezado en todo momento por voces limpias, ausentándose en este caso la voz gutural propia del Death Metal.

"The Drapery Falls" es, en mi opinión, la mejor canción del disco, la más variada y más clara referencia de lo que OPETH quieren transmitir. El principio de la canción es simplemente para enmarcarlo, ejemplar hasta su ultimo acorde. Las primeras notas vocales son voces blancas, casi solitarias, acompañadas tímidamente por una acústica y un acorde en segundo plano, que dota a la canción de una suave melancolía. Todo esto pasa a convertirse, casi sin darte cuenta, en un canto de rabia y desesperación, donde la canción se torna ligeramente más rápida y la voz de endurece notablemente.

Comienza aquí "Dirge for November", suave, triste, lenta... una voz limpia, entrecortada, temblorosa, junto con unos acordes acústicos y un rítmo transitivo hacia una parte donde desemboca toda la furia contenida. Siendo punto clave en esta parte la batería del señor Martin Lopez y un Akerfeldt dándole guerra a las cuerdas. vocales. Todo esto concluye lentamente con un rítmo triste que se repite hasta el silencio.

"The Funeral Portrait" inicia el rítmo donde "Dirge for November" lo deja, pero pronto se acelera dando paso a un corte rápido y de perfil progresivo donde no baja el rítmo en ningún segundo, solo en el momento precedente al solo de guitarra.

"Patterns in the Ivy" transporta al oyente con una melodía acústica acompañado por un suave piano clásico hasta la última canción del disco, homónima de éste y la más larga de todo el CD. Se introduce con un medio tiempo pausado donde las guitarras cobran protagonismo absoluto para de pronto hacer una pausa en seco y dar paso a la voz, que pronto pasar a ser un tramo atmosférico, sencillo, pero sublime, para de nuevo tornarse agresivo y desgarrador.

En definitiva un disco obligatorio de tener sobre todo si eres un fan de lo progresivo e innovador.

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January 28

Pelis de culto XII:Heat de Michael Mann

Dos historias paralelas que se cruzan, un policía y un ladrón de bancos, varios robos, un par de tiroteos bien llevados, personajes femeninos con sustancia, conforman una trama muy interesante que puede verse una y otra vez, curiosamente aderezada con la característica de haberse superado a sí misma.Me explico, como película artística y de entretenimiento, "Heat" tiene toda la pinta de ser una fábula montada en torno al doble protagonismo de Robert De Niro y Al Pacino, después de ver sus resultados, no queda más remedio que llegar a la conclusión de que independientemente de su protagonismo bicéfalo es una de las mejores películas de acción-drama más inteligentes brindadas por el cine norteamericano de los años noventa y de todos los tiempos. Sus virtudes son la esencia de un estilo visual muy definido, un sólido guión, la extraordinaria dirección de Michael Mann, y por supuesto un reparto maravilloso que no frena sus excelencias en De Niro y Pacino, sino que alcanza también en su talante a todos los secundarios que aparecen en este invento, desde Tom Sizemore hasta Val Kilmer."Heat" me lleva a no reparar en elogios porque es uno de los pocos largometrajes policiacos originales capaces de liberarse de todo tipo de parafernalia previsible para ir al corazón del asunto que llamamos cine, que en definitiva es el objetivo de meter al espectador dentro de la película, vista de este modo no tiene desperdicio. Sus casi tres horas de duración se nos antojan cortas, principalmente porque se nos cuentan dos películas en una, lo que me lleva a pensar, que Michael Mann pudo haber instalado una forma distinta de hacer las cosas, llevando el paralelismo en el montaje hasta sus últimas consecuencias, "Heat" es sin duda alguna la mejor película de su director, y es además una película rica en sus personajes, situaciones intensas, y secuencias de acción bien filmadas que atrae al buen aficionado del cine de acción, incluso por sus trucos. Por supuesto que tiene trucos, como toda excelente película, y es un placer descubrirlo, un ejemplo para abrir boca: las mujeres de la historia, aparentemente secundarias, que sin embargo cobran protagonismo creciente y sirven para definir a los protagonistas masculinos, es uno de tantos detalles que pueden encontrarse en esta obra maestra.

November 14

Peliculas de culto XI - Los duelistas de Ridley Scott

Cuestión de honor

Resulta muy curioso el hecho de que la que probablemente sea la obra más desconocida de Ridley Scott, o al menos la que pasa más desapercibida entre toda su filmografía, sea también uno de sus mayores logros cinematográficos en todos los aspectos, un hecho digno de mención si tenemos en cuenta que suponía el debut en la dirección de Ridley, pero sobre todo por la injusticia que supone que caiga en el olvido una joya como ésta. ¡Que el diablo me lleve! ante tan grave afrenta, ¡Exijo una satisfacción inmediata!. Bueno, eso o algo parecido es lo que diría Feraud, el temperamental personaje encarnado por Harvey Keitel en la película ante una situación como ésta, o incluso más insignificante. Afortunadamente estamos en el siglo XXI y eso de los duelos está algo desfasado, así que intentaré colocar al film en el lugar que le corresponde sin hacer uso de la espada. Además, ¿quién las necesita hoy en día, existiendo las armas químicas? pero insisto, vayamos a la película…

Gerald Vaughan-Hughes adaptó de forma particularmente fiel la novela corta "The Duel", de Joseph Conrad (aquí titulada del mismo modo que la película), conservando los elementos fundamentales del relato, con muy pocos añadidos y un final abreviado, pero mucho más intenso, en un guión muy propicio para trasladar con éxito a la pantalla (y Scott supo coseguirlo) el verdadero espíritu de la historia. Lo que cuenta, es el camino seguido por dos oficiales de caballería del ejército napoleónico (Gabriel Feraud y Armand D’Hubert, a quienes dan vida Harvey Keitel y Keith Carradine, respectivamente), que a partir de un asunto insignificante comienzan una disputa (más bien la comienza Feraud) que se irá prolongando duelo tras duelo durante largos años, llegándose incluso a olvidar el absurdo motivo del origen de la riña. Con el avance del tiempo y el temible boca a boca, la historia de los dos duelistas irá adquiriendo dimensiones legendarias (aunque este aspecto resulta mucho más enfatizado en la novela) y a la vez crecerá la necesidad de un desenlace que consiga tranquilizar sus almas. Pero no será tan fácil. Las carreras militares de ambos contendientes van por caminos separados, y las reglas del honor y la disciplina impiden enfrentarse en duelo a dos contendientes de diferente graduación, así pues, sólo podrán enfrentarse cuando sus caminos se crucen y los ascensos de su adversario o los propios se lo permitan.

Scott rueda con una sorprendente sobriedad, cuidando al máximo los planos, que muchas veces se asemejan a auténticas pinturas, sin tener demasiado que envidiar a la excelente Barry Lyndon que Kubrick rodara un par de años antes con un presupuesto muchísimo más elevado (Los duelistas ni siquiera costó un millón de dólares), y con la que comparte algunos parecidos, siendo el principal la presencia de los duelos y el honor, que sin embargo, aquí tienen un mayor protagonismo. La forma en que se ruedan los duelos debería ser un ejemplo a seguir por muchos, pues la claridad es la constante común en la percepción visual de todos ellos, a pesar de estar rodados de distinto modo evitando así caer en la monotonía. La cámara está siempre donde debe, permitiéndose algunos insertos de una espada cortando un trozo de piel, o de una mortal estocada, pero en ningún momento confundiendo al espectador. El duelo a caballo es quizá el presentado de una forma más diferente pero igualmente efectiva sobre todo dada la brevedad del mismo, insertando imágenes de los duelos anteriores mientras los caballos de los dos oponentes van aproximándose al galope, antes del único choque del duelo, que terminará prematuramente (es decir, sin la muerte de ninguno de los adversarios, como todos los anteriores) pues la sangre de la herida recibida en la frente, cegará a Feraud, interrumpiendo la lucha.

Los escenarios naturales contribuyen en gran parte a la belleza de las imágenes, con total ausencia de decorados, así como el vestuario, el maquillaje y todos los aspectos puramente artísticos, incluyendo aquí las interpretaciones, encabezadas por los dos duelistas que se elevan destacadamente por encima del resto del reparto, pues la propia historia está centrada única y exclusivamente en ellos dos (aunque conducida a través del personaje de Carradine, del mismo modo que en la novela) y esto ya se deja advertir en los títulos de apertura en los que de entre todo el reparto, únicamente figuran sus dos nombres. Pero sobre todo hay que dejar un hueco destacado a la fotografía de Frank Tidy, que combina sabiamente las luces con las sombras sacando el máximo partido a cada escena. Herman Melville escribió una vez: «En el arco iris, ¿quién puede trazar la línea donde acaba el color violeta y empieza el anaranjado? Vemos con claridad la diferencia de colores, pero ¿dónde exactamente, se mete el primero en el otro, mezclándose con él?». Esta acertada observación que Melville utilizara para relacionar la cordura con la locura, ilustra a la perfección lo que ocurre con los cielos que se ven en Los duelistas. La fenomenal labor de Tidy logra unos cielos sólo parcialmente iluminados, en su parte inferior, cubiertos por unas crecientes tinieblas, sin una línea divisoria clara. Esto puede interpretarse fácilmente como un reflejo de la dualidad presente en todo momento en la película, de las personalidades de los protagonistas y de su mutuo enfrentamiento. Feraud, un loco fanático de los duelos, temperamental y quizá un tanto amargado, es la oscuridad que se cierne sobre D’Hubert, más reservado y equilibrado, pero también orgulloso, y ese orgullo unido al fanatismo de su adversario será precisamente el que les impulse a continuar su lucha, a pesar de que cada vez transcurra más tiempo, incluso años, entre un enfrentamiento y otro. A su vez, la larga pugna va propiciando un acercamiento, que vincula extrañamente a D’Hubert con Feraud, convirtiendo su relación no ya en un amor-odio, que sería del todo imposible, pero si en un respeto-odio muy interesante. «Nadie se bate tres veces con un hombre para luego hablar mal de él», llega a decirle a su general el personaje interpretado por Carradine. Ésta extraña atracción alcanza su culmen en la fantástica secuencia de la campaña rusa, la última vez que se verán los oponentes antes de la caída de Napoleón, y en la que D’Hubert acepta internarse junto a su eterno rival en medio de la tormenta de nieve dispuesto a matar a los cosacos, sus enemigos comunes. A pesar del rechazo de Feraud a su invitación a un trago tras matar a los rusos, y a pesar de las difamaciones que éste va lanzando sobre él por toda la ciudad, D’Hubert le salvará el pellejo de la comisión especial que se forma contra los bonapartistas al recuperar el trono Luis XVIII. Pero basta tomar la frase de D’Hubert que cierra la novela (aunque en el film no se diga como tal, queda perfectamente patente lo que se dice), para ejemplificar esta atracción: «Es extraordinario, cómo, de un modo u otro, este hombre se las ha arreglado para introducirse en mis más hondos sentimientos».

Otro detalle digno de mención es una excelente elipsis que ignora por unos instantes el destino de la última bala del último duelo (por otra parte el único con pistolas), dejando al espectador en un pequeño suspense mientras la historia se entretiene en la reunión de D’Hubert con su amada, para luego regresar a Feraud, caminando sombrío por el bosque. Entonces, la cámara se interna en los árboles y la voz en off continúa donde nos habíamos quedado, y luego ya, entrando también la imagen en la escena interrumpida, vemos la sentencia de muerte de Feraud, que será inmediatamente acatada por éste, cuyo rostro ajado en el perturbador plano final es el de un auténtico cadáver viviente.

Los duelistas fue un debut inmejorable para Ridley Scott, llegando a alcanzar la Palma de Oro en el Festival de Cannes, y también un preludio perfecto para Alien y Blade Runner, que junto con este comienzo conforman a mi juicio sus tres mejores películas.

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November 12

Discos inolvidables VI: Living colour- Vivid 1988

¿Un grupo de negros en el mundo del Rock Duro? No sé por qué razón, pero a las personas de raza negra no les va esto del Heavy Metal o el Hard Rock como tampoco les va el ciclismo o la natación, por poner dos ejemplos. Y no es que no haya habido casos, desde Hendrix, Kravitz o los mismísimos Bad Brains, pero son excepciones, pequeños porcentajes que no alteran el conjunto. Y a finales de los años ochenta, en plena ebullición de todo el Thrash Metal con sus calaveras y sus historias diabólicas y el Hard Rock “Panten Pro-V”, salta a la palestra un grupo llamado Living Colour con su disco debut “Vivid”, con una imagen totalmente Funk (Fashion dirían ahora) y con dos auténticos portentos de la naturaleza llamados Vernon Reid y Corey Glover a la guitarra y voz respectivamente.

"Vivid" es una explosión sonora. Funk, Heavy Metal, Soul y buenas canciones en raciones gigantes. Producido por Ed Stasium, capaz de trabajar con gente como Talking Heads, Julian Cope o Ramones y Motörhead, y apadrinado por gente como Mick Jagger o Public Enemy, ya desde el principio enseña sus cartas y muestra que va a moverse a caballo entre los estilos antes mencionados. De hecho, el disco lo podemos dividir en dos partes bien distintas: la Hard Rockera con “Cult Of Personality” o “Desperate People”, donde las canciones son más estándar, con potentes bases rítmicas, delirantes punteos a cargo de Vernon, y la voz de Corey Glover que más parece un chorro a presión al estilo Hard Rock de los ‘70 pero con ese toque negroide, soulero que hacen de Living Colour una banda especial. Y por otro lado estaría la parte más Funk, donde meteríamos coplas como la marchosa “Funny Vibe” (que recuerda mucho a los Red Hot Chili Peppers del "Mother´s Milk") o “What´s Your Favorite Color?” donde el metálico riff del principio da paso una guitarra hiper funky que hace que sea una de las canciones mas bailables del disco. Sí, has oído bien, he dicho bailable. ¡¡¡¡Esto es Living Colour!!!!

No quiero hacerme pesado y enumerar todas las canciones del disco (todas destacables) pero tampoco quiero marcharme sin antes hablar un poco más de dos de ellas, que además son bien distintas:

Con “Glamour Boys” basta cerrar los ojos para que nuestra mente nos transporte hasta cualquier playa del Caribe. Ritmos tropicales tocados con maestría y mucha marcha para hacer una de las joyas del disco. ¿La canción del verano? Bueno, siempre será mejor que lo último de Georgie Dann.

Con “Open A Letter (To A Landlord)” ocurre otra cosa bien diferente. Cada vez que alguien se quede sin saber definir lo que es el “feeling”, sólo tiene que recurrir a esta copla. Oír a éste hombre cantar la primera estrofa y ponerse los pelos firmes y en formación es todo uno. Un medio tiempo donde Corey Glover se luce a pleno pulmón, cabalgando sobre unas magníficas líneas de bajo.

"Vivid" es un disco de difícil catalogación, que toca demasiados palos y demasiado dispares y eso a veces puede no gustar. Desde luego la manida palabra “fresco” le viene al pelo. Tampoco te confundas, que si he hablado de “baile” o “funky” o “ritmos tropicales” también podría hacerlo de riffs cañeros o baterías contundentes porque estos tíos, al fin y al cabo, son una banda de Rock y te aseguro que rockean duro. Prueba de ello es la gira que se marcaron como teloneros de Anthrax.

A pesar de todo, al final lo que cuentan son las canciones, la calidad del producto y ahí "Vivid" va “sobrao”. Y es que Living Colour es una banda de Hard Rock que suena a “negro” y no unos negros que tocan Hard Rock (que no es lo mismo) y es ese sonido único lo que convierte este disco en un clásico y en uno de mis favoritos de todos los tiempos.

WHAT´S YOUR FAVORITE COLOR, BABY? LIVING COLOUR!!!!!

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September 06

Discos inolvidables V: Simply Red - Stars

UN POCO DE HISTORIA<<<---

Simply Red, ese grupo de Manchester formado en 1983 por su cantante Mick Hucknall, que antes había sido el alma mater del grupo punk "The Frantic Elevators" y conocidísimo en todo el mundo por su pelirroja cabellera y algunos músicos más que eran Tim Kellett en la trompeta, Tony Bowers en el bajo, Fritz McIntrye en los teclados y haciendo coros, Chris Joyce en la batería y la percusión y Sylvan en la guitarra.sacaron a la venta su primer disco en 1985 (Picture Book) que tuvo una gran acogida en su país natal con canciones como Holding Back the Years o Jericho.

Dos años más tarde sacaron el Men and Women, que quizá es el disco más flojo de su carrera, aunque con algunos grandes canciones como The Right Thing, o la versión que hicieron del clásico de Cole Porter, Ev'ry Time We Say Goodbye.

Ya en 1989 sacaron su tercer disco, A New Flame, con el que volvieron a ser uno de los grupos punteros de su país y con el que empezaron a coger un poco de fama en el resto de Europa y también en Estados Unidos, canciones como la que da título al disco, It's Only Love o If You Don't Know Me By Now fueron los éxitos más sonados.

--->>>EL DISCO<<<---

Finalmente, en 1991 sacaron su 4º disco, y hasta el momento el que más copias ha vendido, con un total de algo más de 20 millones de copias en todo el mundo en estos 14 años que hace que salió, vendiendo más de 200,000 copias en la primera semana en Inglaterra.

Este Stars es posiblemente el considerado mejor disco de la banda encabezada por Mick Hucknall y la verdad que fue el que más repercusión musical ha tenido a todos los niveles. Con este disco se lanzaron al mundo y sin duda alguna lo consiguieron

Grandes canciones como la que da nombre, Stars o Something Got Me Started fueron los pies para levantar una gran torre de estrellas surgidas de Manchester y que iluminaron a todo el mundo.

East West, parte musical de Warner fueron los encargados de editar el disco que fue producido por Stewart Levine, con el que ya habían trabajado pero co-producido por Mick Hucknall (que en la actualidad ya se paga sus propios discos) y grabado en Venecia en el estudio Condulmer Recording Studio.

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July 30

Mike Patton: vida y miserias de un cantante único capitulo IV

4º etapa. "album of the year"

Aprovechando unos días de descanso antes de meterse al estudio de grabación MIKE se fue a Bologna en Italia a pasar unos días con su esposa TITI y para descansar de su apretada agenda de trabajo. No así lo hizo Billy Gould que ya estaba en el proceso de grabación del sexto álbum de FAITH NO MORE, el que sería "Album Of The Year" que se dio a conocer el 9 de Junio 1997, en la comodidad de su sótano. Billy hizo el 50% del trabajo ya que los demás integrantes estaban muy ocupados con sus otros proyectos. De esta forma le envió a MIKE las maquetas a su casa en Italia con el fin de saber su opinión. MIKE al escucharlos le dijo:"Qué música es esta, esto es una mierda" y acto seguido suspendió sus cortas vacaciones e inmediatamente viajó a California para poner el otro 50% del cd. En el proceso de grabación los integrantes se vieron bastante poco, así que Billy lo produjo y lo grabó en su casa con su ordenador, siendo Album Of The Year el que menos gastos le dio al grupo. Según el propio Billy MIKE grabó las canciones en 6 horas. Así fue como lo dijo: "MIKE es un fenómeno. Entró, grabó y salió, no tuvo que repetir ni una sola canción, admiro su voz Mientras otros vocalistas tardan meses en grabar canciones lo que hizo fue increíble”.

La composición de las letras ahora eran más claras aunque con el mensaje escondido, siempre dejándolo a tu imaginación. Las canciones tratan temas reflexivos y nostálgicos tal es el caso de "Last Cup Of Sorrow", en donde MIKE invita a los jóvenes a que aprovechen su juventud, a que reflexionen en su ejemplo y que descubran su camino y diciéndoles que siempre será bueno un cambio. En "Stripsearch" habla de un delincuente que ama el lugar donde vive pero por los problemas que tiene con la policía tiene que dejarlo todo. Al final es capturado. En la inspiradora "Helpless" habla de las cosas más tranquilas, como un viento tibio, una marea baja, las ramas de los árboles movidos por el viento, una fuente de deseos y un jardín mágico. También hizo canciones de fanatismos como "Naked In Front Of The Computer", que escribió pensando en que cómo era posible que tanta gente pasase tanto tiempo comunicándose por medio de e-mails con gente que ni conoce y se preguntaba, como saben si el que esta del otro lado de la computadora no esta alguien desnudo masturbándose. La canción lo dice todo "Millones de formas y palabras para no decir nada". En "Got That Feeling" hace referencia a los problemas de los jugadores que apuestan hasta su vida y al final tienen que pedir dinero prestado, pero su orgullo no lo permite.

MIKE protagonizó dos vídeos: "Stripsearch" y "Last Cup Of Sorrow", este último basado en la película "Vértigo" de Alfred Hitchcock en donde él al igual que en la película, personifica a un oficial de policía que tiene fobia a las alturas y fue despedido del departamento de policía por dejar caer a un compañero de un tejado. Poco después se enamora de una chica con tendencias suicidas. Al llegar el momento en el que la chica se quiere suicidar desde una torre MIKE se enfrenta con que no puede superar su vértigo y la chica cae. Luego la historia se complica (vamos, que veas el vídeo y sabrás de qué va la cosa. (La actriz que hizo las veces de la chica fue Jennifer Jason Leigh, por cierto). En "Stripsearch", al igual que en la letra de la canción, personifica a un delincuente que trata de huir de su país pero se encuentra con la policía y es arrestado.

MIKE, como siempre, en “Album Of The Year” trajo cosa nuevas como su imagen. Ahora extraordinariamente limpia, utilizando trajes italianos, zapatos finos, relojes caros, corbatas de seda y un peinado tipo años cuarenta. Si en la gira de “Angel Dust” parecía un mecánico, en este disco parecía un ejecutivo. A él y a los otros integrantes del grupo les pareció buena idea vestir con elegancia, llegándose a decir que se trataba de algo relacionado con la mafia. Evidentemente no tenia nada que ver. MIKE, sarcástico, sólo dijo que muchos del grupo ya tenían canas y que era hora de guardarles respeto a ellas. En cuanto al nombre del álbum sólo lo escogieron para confundir a los críticos, además de que les gustó a todos. Aparte MIKE nos trajo algunas sorpresas como el de coleccionar pinceles de pintura usados, daba igual el tipo de pincel, lo importante era que estuviera usado. Y también se convirtió en un comedor impulsivo ya que después de cada concierto se comía una ración triple comparada con lo que comían los demás, (a ser posible de comida italiana, su favorita) además de su cada vez más creciente afición a los buenos vinos, que tomaba incluso en concierto en lugar de la clásica copa o cerveza de antes. Incluso en varios conciertos daba la impresión de estar borracho, como ejemplo en el concierto en Londres en el Astoria club el 14 de mayo de 1997 en donde MIKE al parecer estaba completamente borracho, cayéndose múltiples veces al suelo, incluso al final se golpeo la cara llenándosele en un segundo de sangre.

En cuanto al directo de la nueva gira dejó de lado todas las extravagancias de The Real Thing, las depravaciones de la gira del Angel Dust y el salvajismo de King For A Day y se dedicó a cantar de verdad pero con mucha energía haciendo una mezcla perfecta de elegancia, glamour con demencia y energía. Los directos de FAITH NO MORE fueron todo un éxito con entradas agotadas en todos lados, pareciendo que la banda con “Album Of The Year” regresaban a la elite de las ventas comerciales y en los festivales la mayoría como cabezas de cartel también fueron aclamados, tal es el caso del festival bizarre en Alemania el 16 de agosto de 1997 en donde más de 60,000 personas ovacionó al grupo y lo hizo regresar a un bis y tocaron “I Started A Joke” y “We Care A Lot”. Después se fueron pero la gente volvió a ovacionarlos durante casi 7 minutos, nadie se iba del lugar y la gente gritaba “faith...no..more, faith..no..more.. hasta que el grupo regresó y MIKE le dijo a la gente "Dios mio sois un publico muy malo, no quieren que descansemos". MIKE veía como la gente le aplaudía y dijo con cara de sorpresa "Hombre si esto lo hacemos para vosotros ..Dios mío, habéis tenido un gran festival con muchas bandas, mucha musica, no cabe dudas de que éste es un gran festival ..no ..vamos a ver, quién fue el mejor.....acaso fue Silver Chair.." y la gente respondió con un rotundo nnnnooo "Vamos díganme quién fue el mejor" y al unísono gritaban FNM, FNM.(esto se puede escuchar en el cd pirata BIZARRE FEST).

5ª etapa. "who cares a lot?". el final

Después de 8 meses de gira el grupo optó por un pequeño descanso, todos se fueron con sus otros proyectos paralelos, pero deberían regresar para cumplir con sus 8 meses de gira pendientes, pero tal parece que a nadie le importó así que la discográfica organizó una reunión los primeros de abril de 1998 y se llegó al terrible acuerdo de que FNM no continuaba más. El motivo fue que todos excepto Billy estaban más interesados en sus otros grupos que en FNM, diciéndose que el principal era Bordin ya que tenía contrato con Ozzy osbourne para la gira del Ozzfest 98. Al grupo no le importó tener asegurados 500,000 dólares por una gira que iban a hacer con Aerosmith ni las fechas contratadas para el tour, ni que Album Of The Year estaba funcionando bastante bien y tenía un futuro alentador, ni el contrato que tenían con Warner para otros discos, ellos sólo iban a cumplir las últimas tres fechas de lo que sería FAITH NO MORE. Éstas fueron en Granada, España en el festival Esparrago rock y en Portugal en donde la gente se les entrego de manera fantástica sabiendo o no que la banda se despedía para siempre de los escenarios, en todo momento los fans hacían coros como los que hacen los hinchas de futbol, algo asi oe, oe, oe,oe, FAIITH, NNOO, MMOOORE.

El 19 de abril de 1998, FAITH NO MORE, uno de los grupos más imaginativos y creativos que hayan salido nunca, ponía fin a una carrera de quince años con el siguiente comunicado:

"Después de 15 largos y fructíferos años, FAITH NO MORE han decidido poner fin a las especulaciones sobre su inminente ruptura... rompiendo. La decisión ha sido mutua, y no se apuntará con el dedo a nadie, no se nombrarán nombres, pero que conste que "Puffy lo empezó todo". Ahora cada uno será capaz de dedicarse a su(s) proyecto(s) individual(es) libremente. Por último, y más importante, el grupo desearía agradecer todos aquellos fans y colegas que han apoyado a la banda a través de su historia".

Como FAITH NO MORE tenía el contrato vigente, la discográfica sacó un álbum doble “Who Care´s A Lot”, uno de éxitos y otro de canciones que nunca habían salido a la luz pública, tal es el caso de la magnífica "The World Is Yours" que fue hecha para el álbum Angel Dust, pero había quedado fuera. También "I Won´t Forget You" que fue grabada para el álbum King For A Day. Ésta la hizo toda MIKE y forma parte de la trilogía de canciones que hizo con referencia a Jim. También se incluía una de las mejores versiones que MIKE cantó en la gira “Album Of The Year”: "This Guy´s In Love With You". A la vez que con el disco salió un video de éxitos que incluía casi al 100% el anterior vídeo (Video Croissant) más los nuevos clips de los discos posteriores al susodicho primer vídeo. La cinta traía la sorpresa de incluir vídeos que no venían listados en la portada de la cinta, como por ejemplo la citada This Guy´s In Love With You" o "Stripsearch". Lamentablemente no se incluyeron o no se pudieron incluir vídeos como "Ricochet" o "Another Body Murdered". La cinta y el disco fueron lo último que salió de ellos. Junto con un sencillo de la canción I Started A Joke en cuyo video ya no aparece la banda.

Y eso es todo de FAITH NO MORE, por lo menos de momento. Nosotros, esos que siempre estuvimos ahí o por lo menos lo intentamos, seguimos recordándolos como lo que fueron: un grupo capaz de hacer que se te pusiese el corazón a punto de reventar. No cabe duda que se fueron como unos grandes.

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July 24

Mike Patton: vida y miserias de un cantante único capitulo III

3ª etapa. "king for a day fool for a lifetime". la madurez

En 1994 se metió a grabar con FNM lo que sería "King For A Day, Fool For A Lifetime", y también con MR BUNGLE lo que sería "Disco Volante”,aprovechó que en este año no iba a haber gira ni con FNM ni con MB para casarse con su novia desde hacía tres años, una chica italiana llamada “TITI”(misma que conoció después del concierto en donde insulto a poison). Se casaron en San Francisco en la costa oeste de California, teniendo una pequeña recepción familiar. No fue raro que él escogiera una mujer italiana para ser su esposa, ya que él siempre estuvo obsesionado con el idioma italiano, la comida y todo lo relacionado con la cultura de ese país, llegando incluso a comprarse una casa en Italia. Habiendo pasado tantos problemas los últimos dos años Mike y el grupo entraron en proceso de grabar el álbum “King for a day, fool for a life time” saliendo al mercado mundial el día 14 de Marzo 1995. Esta vez la casa de discos los apoyó en todo, ya que la última vez se habían equivocado al juzgar mal el “Angel Dust” (cuando ellos esperaban un fracaso la verdad obtuvieron el éxito más grande del grupo en Europa superando las ventas de “The real thing”), aunque por otra parte no andaban muy desencaminados con su propio país, ya que en USA donde “TRT” obtuvo ventas de 2,000,000 (platino) de discos, el “AD” sólo tuvo 900,000 (oro). De todas formas la casa de discos confió en su éxito y los apoyó en todo. Ya en el proceso de grabación MIKE traía un odio muy clavado con el ex-guitarrista JIM, ya que éste lo culpó de su salida del grupo, así que él y la banda optaron por hacer un album fácil que fuera dirigido hacia las guitarras y que fuera fácil de tocar en vivo, ya que las canciones del anterior disco eran complicadísimas para los conciertos.

El guitarrista que entró fue Trey Spruance compañero de PATTON en MR BUNGLE, pero solo al proceso de grabación ya que para la gira él no quiso ir ya que al parecer se asustó de la enorme agenda de conciertos por el mundo, él como sabemos no estaba acostumbrado a eso.MIKE pronto hizo 20 canciones de las cuales solo 14 quedaron finalmente en el cd. Esta vez las letras eran de contenido agresivo e hiriente y la música también fue muy pesada, algo que nunca habían hecho. Quería demostarle a Jim y al mundo que FAITH NO MORE también era capaz de dominar la música con guitarras y creó las canciones "Get Out", "The Gentle Art Of Making Enemies", "Cuckoo For Caca" y una canción que no salió para este álbum llamada "I won`t forget you". En estas canciones MIKE hizo toda la música y las letras hablaban confusamente con un significado oculto, que todos sabíamos que era el odio hacia JIM, tal es el caso de "Get Out" en donde dice:"Hay algo dentro de mi y lo peor es que lo estoy viendo crecer" y termina con la frase "largate ya". Otros ejemplos del odio a Jim son las canciones "What a day" donde MIKE dice: "Lo debería haber matado, lo debería haber advertido". En "Cuckoo For Caca" MIKE habla de la relación hombre-mierda, esto en referencia a los últimos 5 años de mierda que había pasado con Faith no more. Pero MIKE equilibró el álbum con temas diferentes como "Ricochet". Esta canción hace referencia a su chica, ya que cuando él regresa a casa después de una larga gira ella lo encuentra gordo y borracho y entonces ella se ríe de eso, pero lo que ella no sabe es que la venganza pronto le llegará (no se refiere a su esposa, si no hipotéticamente en general) . Y qué decir de las canciones con letras dulces e irónicas al amor como la poética "Just A Man" y "Take This Bottle".

En “King for a day” Mike demuestra su habilidad como políglota al cantar en distintos idiomas, como ejemplo la canción "Evidence" fue hecha en español y Portugués en honor a todos los fans latinos además él dice que en San Fco donde generalmente él esta hay mas latinos que estadounidense así que el ingles viene hacer un segundo idioma(todos los de la banda siempre han tenido un extraño apego al español, que Gould conoce bien. Un ejemplo es la canción "March Of Death" del disco "Introduce Yourself" en la que dicen palabras sueltas (y mal dichas) como "Camina con la muerto"). Y "Caralho Voador" está cantada en portugués (que por cierto esta canción habla de un tipo que se cree un dios y no le importa nada ni nadie, pero le da mucha importancia el estarse hurgando la nariz cuando va manejando su coche ultimo modelo). MIKE ya había demostrado en un b-side del anterior disco la habilidad de cantar en otro idioma, como en la canción "Das schutzenfest" cantada en Alemán.

MIKE con este disco nos trajo muchas sorpresas. Volvió a cambiar su imagen, cortándose el pelo y dejándose crecer el bigote luciendo más maduro y con un nuevo estilo de voz donde podemos escuchar los gritos en los tonos más altos posibles, así como su dulce y romántica voz con los tonos más bajos posibles todo esto sin perder el estilo y demostrando que su voz está mejor que nunca. Otra sorpresa fue que ahora había empezado a tomar alcohol, cosa que era rara en él, ya que decía que no tenía vicios, sólo la cafeína como único estimulante.

Sus directos le facilitaban hacer un performance más agresivo que antes, pero menos depravado. MIKE demostró que con el paso del tiempo no había perdido la condición física y era increíble verlo con tanta energía. La prensa especializada nombró a FAITH NO MORE como el grupo más salvaje en directo y los llegó a nombrar "LOS REYES DEL CAOS" y a MIKE como el vocalista más versátil ya que su voz lucía igual de esplendorosa en una balada que en un death metal.

Ahora MIKE no hablaba mucho con el publico, se dedicaba a cantar y a hacer su trabajo, pero también hizo sus locuras como una ocasión en Houston Texas el 4 de mayo 1995, durante la canción "Ricochet". En un momento dado se sacó el su pene y comenzó a masturbarse enfrente de 3,000 personas Al terminar empezó a orinarse él mismo y a la gente de las primeras filas, lo curioso es que no perdió ni una sola nota de la canción durante la masturbación. o cuando orinó durante la canción EPIC en el festival de Phoenix el 07 de Julio 1995, otro concierto memorable de la gira KING FOR A DAY, fue el que dieron en Chile el 08 de Septiembre 1995 esto fue en el festival monsters of rock, el lugar estaba lleno de fans de otros grupos como Ozzy, Megadeth, y la verdad es que FNM esa noche no contaba con grandes fans, durante el show hubo una constante lluvia de escupitajos hacia MIKE y este lejos de asustarse le entró al reto poniéndose al tu por tu con las escupidas, incluso retaba al publico para que le atinaran a su boca en plan desafiante, el show tuvo tanta energía que al final todo el publico pedía otra canción, a lo que los integrantes dijeron “No lo merecen” y se fueron dejando a todos vibrando por la emoción que dejo el torbellino.

MIKE consiguió ser un imán para las mujeres ya que en todos los lugares donde se presentara el grupo estaba lleno de adolescentes gritando por él, incluso cuando regresaba a su casa de San Francisco encontraba a docenas de ellas tratando de arrancar su ropa y además encontraba las paredes de su casa pintadas con spray con frases como estas: "TE AMO MIKE, SOY TUYA, EMBARÁZAME, JÓDEME". A él siempre le ha disgustado eso. En una ocasión una chica le pidió que le autografiara en sus tetas y el se rehusó y le dio una buena bronca. En otra ocasión una chica lo esposó de la mano derecha en el backstage durante 4 horas y MIKE, que tiene un carácter de mil demonios, estaba que reventaba de rabia. Cuando por fin lograron desencadenarlo de la chica ésta se negaba a dejarlo. Entonces él trató de apartarse de ella y en el intento la chica se cayó al suelo, golpeándose la cabeza. Al día siguiente las sociedades feministas iniciaron una campaña de desprestigio en contra de MIKE por toda Australia, cosa que no afectó en absoluto en la venta de las entradas a los conciertos, ya que FAITH NO MORE son unos reyes en ese país, además de que el álbum KFAD estaba en nº1 en las listas y ya habían conseguido el disco de oro.El 18 de julio 95 en la plaza de toros de "LAS VENTAS" en Madrid FNM se presentó y Bea Torreadrado, una reportera, fue testigo de que cómo cientos de jovencitas españolas gritaban desde las primeras filas por MIKE. En su artículo dijo algo así: "La sorpresa fue `Evidence´ cantada en español; realmente fue divertido verle más concentrado en decir bien las palabras que en seguir el ritmo con esas piruetas y retortijones de tripas con que deleitó a todos. Expresiones que no se pueden reproducir aquí dado su alto contenido erótico (y eso que no era una venta de consoladores) se oían surgir de los pulmones femeninos y aunque comparto totalmente su opinión, Mike tiene otras cualidades, como su garganta prodigiosa (aunque suene a titulillo porno), además del sex simbol que es" .

MIKE durante ese tiempo tuvo un accidente automovilístico con Trey y Bordin, siendo él el que conducía el coche. Después de eso juró que jamás compraría un coche y desde esa vez prefiere las motocicletas.

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July 16

Mike Patton: vida y miserias de un cantante único capítulo II

2º etapa. "angel dust". la consagración.

MIKE realmente estaba tan inmerso en la grabación, que traía en sus manos cuatro distintas letras para cada canción de “Angel Dust”. Si en “The Real Thing” le llevó tan solo dos semanas componer las canciones, esta vez le tomó seis meses en escribirlas, ya que estas eran aún más confusas, depravadas y complejas que las anteriores. Trataban de los problemas que pasan desapercibidos por la sociedad, así como temas muy personales de MIKE. Entre éstas estaba “Cafeína”, la cual escribió una de esas noches en que estaba aburrido en casa y para hacer algo agarró su motocicleta HONDA y condujo hacia la zona más peligrosa de la ciudad, se metió a una cafetería y comenzó a observar cómo la gente se entretenía hablando de sus problemas. MIKE pensó que era una ironía que la gente buscase refugio en un buen café para contar sus problemas cotidianos, sin saber que la cafeína actúa como un tercero en la conversación. Aparte MIKE es un adicto a la cafeína, ya que él dice que de donde viene, (EUREKA) hay sólo dos cosas para no aburrirse, tomar café todo el día o ver y leer pornografía. También dice que toma café solo para provocar el insomnio y ver que tan lejos llega la noche (vamos, que le gusta pasar las noches en vela para ver los efectos de la falta de sueño). Es tal su adicción a la cafeína que ha llegado a decir que su peor pesadilla sería una mañana sin café y estar en la cárcel.

Otra canción que MIKE compuso gracias al insomnio fue “Land of sunshine”. Estaba viendo la tele. hasta muy entrada la noche y se le ocurrió ir a la cocina por comida. Allí encontró galletas de las que predicen el futuro, la clásica galleta de la suerte y pensó que sería una buena idea escribir una estúpida canción positiva ya que nunca lo había hecho. En otra canción, “Malpractice”, habla de una chica que va al ginecólogo a una revisión vaginal, pero a ella no le interesa ser curada, lo que le interesa es tener la mano del cirujano dentro de su vagina. Al final se hace adicta a ese tipo se tratamiento. Cosas de Mike.
MIKE trata ideas tan diversas como es el caso de “Kindergarten” en donde trata de hacer ver lo que un niño con problemas sufre cuando suspende el curso y a todos los problemas a los que se enfrenta cada año suspendiendo. La pregunta es: ¿sería el niño el culpable? “Small victory” la escribió pensando en su niñez, cuando su padre, que era entrenador de football , lo obligaba siempre a buscar la victoria sin permitir excusas. En “Jizzlobber” habla de un tío que es condenado a la cárcel y esté arrepentido, pero ya no puede hacer nada, solo aguantar el tormento. “R.V”. es la más irónica y crítica de todas, en donde hace referencia a la "basura blanca" (sin connotaciones racistas). Esa "basura" de la que habla es la gente que vive en caravanas y sitios así en EEUU (y supongo que en el resto del mundo, que en todas partes cuecen habas) y que se pasan el día sentados en el sofá frente al televisor, sin metas ni objetivos diferentes a hacerle la vida imposible a la mujer y los hijos, pegándoles a ser posible. Al final de la canción resume perfectamente la actitud de este tipo de personas "Tan sólo les diré (a sus hijos) lo que mi padre me dijo a mí `nunca llegarás a nada.".El resultado fue "Angel dust" cuyo disco salió al mercado el 8 de Junio 1992, un excelente álbum para los integrantes del grupo (a excepción de Jim, claro). Sin embargo eso no les pareció a la compañía de discos, que de inmediato pidieron a MIKE que cambiara las letras y que pusiera más coros (evidentemente la idea que ellos tenían era hacer un “The real thing-2” y una segunda parte del multivendido “Epic”, ya que eso garantizaría un éxito seguro). Por supuesto MIKE se rehusó a hacer coros y el grupo no quiso cambiar nada y a Warner no le quedó más remedio que lanzar el disco tal y como estaba (este disco se convirtió en el mejor para la mayoría de los fans hasta la fecha).
Muchas cosas cambiaron en este disco con respecto a MIKE. Lo primero y más llamativo fue su voz, que había pasado de ser muy aguda en el anterior disco (a excepción de "Surprise! You´re Dead!" y ciertas partes de "The Edge of the World") a ser mucho más grave y profunda ( R.V., Caffeine, Smaller And Smaller, Jizzlober...). MIKE había dejado de lado la voz infantil que se escuchaba en The Real Thing, de una forma realmente sorprendente. Esa voz no puede volver a oírse hasta muchos años después, en la (magnífica) canción "The World Is Yours", en el que, por un instante, pasa a la antigua voz (te recomiendo que escuches toda la canción para oír el cambio). Aparte de la voz, cambió también su forma de vestir (quizá alejándose a propósito de la imagen de playero con pantalones de ciclista y vestimentas extravagantes). Ahora usaba camisas como las de un mecánico o un despachador de gasolina, acompañado en muchas ocasiones por una gorra de baseball. MIKE también se cortó el pelo dejándolo a la altura del cuello y con dos extrañas patillas de 12 cm cada una, aparte de la tonelada de brillantina “Brylcreem”con la que se peinaba el pelo (y que hoy en día se le puede ver que sigue llevando). Aparte, se dejó crecer la perilla y se puso un pendiente en la ceja, cosa que antes, por lo menos en México, no se había visto mucho que digamos (a nota personal diré que el vídeo de "Easy", en el que aparecía él con el pendiente, llevó a más de uno, a taladrarse la ceja). Así que por fin MIKE dejó de lado todas las comparaciones absurdas con Kiedis.

Pronto FNM fue partícipe de la llamada gira del siglo junto con Metallica y G’N`R. El ambiente en esos conciertos fue realmente hostil, aparte de que MIKE en el escenario estaba más desquiciado y depravado que en la gira “The real thing”. Hubo muchos altercados en esos conciertos tal es el caso de un concierto en Europa en el que la gente quería ver a G’N’R y no a FAITH NO MORE. Entonces alguien del publico lanzó un bote de plástico pegándole a MIKE en la cara, a lo que él respondió insultándoles: "Porque no avientan a su mamá, bola de pendéjos" En eso comenzó una lluvia de botes, monedas, comida entre otras cosas. MIKE solo se reía sarcásticamente mirándolos con mirada diabólica y provocándoles, pero la gente siguió lanzando lo que tuviera anatomía de vuelo, él estaba viendo lo que lanzaba la gente y al ver hamburguesas y hot dogs tirados en el escenario paró de cantar y comenzó a comérselas! Al final la gente lo ovacionó y como agradecimiento orinó a un lado del escenario ante la mirada de 60,000 personas. (Algo así sucedió en el concierto de Sevilla en España, en la que la gente empezó a lanzarles de todo por provocación de MIKE. Las imágenes son tan espectaculares que fueron incluidas en el "Vídeo Croissant" y el vídeo "Who Cares a Lot"). Asi empezó lo que sería una gira depravada y perversa .

La guerra no solo era con el publico de G’N’R sino también con sus integrantes, debido en gran parte a las excentricidades de Axl, que no dejaba que nadie entrara al backstage incluyendo a los integrantes de FAITH NO MORE. (Después de la actuación de FNM en Sevilla AXl, horrorizado al ver el escenario, retrasó la actuación hasta que lo limpiasen todo y un tipo llegó a salir y advertir que como se lanzase una sola cosa más el grupo no saldría a tocar). Durante toda la gira había más seguridad que un concierto de Michel jackson y además los integrantes de GNR nunca cruzaron una sola palabra con FAITH NO MORE (a pesar de que Axl decía ser ferviente admirador del grupo), de hecho nunca los vieron. Al terminar los conciertos GNR viajaba en su jet particular mientras que FNM tenía que viajar 8 horas para su próximo concierto. Fue entonces cuando MIKE comenzó a insultarles en la prensa y en todos lados. Incluso el grupo hizo un concierto secreto (ya que se aburrían de tocar tan sólo 30 min) en Hamburgo, Marquee club, MIKE se dirigió al publico diciéndole: "Ayer vi por la mañana a AXL ROSE y traía un chorro de esperma seco en sus labios y adivinen de quien era. El esperma era mío y él se lo comió todo". La única vez que vieron a Axl fue cuando les fue a reclamar a MIKE Y BILLY todo lo que habían dicho de él en la prensa. , A Billy lo regañó fuertemente pero a MIKE lo disculpó sólo por ser el vocalista, ya que dijo que ser vocalista es muy estresante y se le podía perdonar todo. Esta vez no fueron expulsados y FNM cumplió con la gira del siglo.

El éxito de “Ángel Dust” estaba creciendo rápidamente, como también creció la depravación de MIKE en los escenarios y fuera de ellos, enseñándole el culo a los del publico como en St Louis el 18 de Septiembre 1992 en el “American Theatre”, haciendo sus necesidades en los pasillos de los lujosos hoteles ya que odia los baños y los hoteles dice que son terriblemente anónimos, también se distraía poniendo una bola de mierda en las secadoras de pelo, sólo para pensar que la próxima en secarse el pelo iba a conseguir una plasta caliente de mierda. MIKE en ese tiempo coleccionaba fetos humanos y algún que otro órgano del cuerpo. Una vez estaba muy contento porque consiguió un feto de 75 años de antigüedad y dijo: "A lo mejor es Hitler". Tenía todo eso en su casa que compartía con TREY guitarrista de MB. Esa casa era un desorden, había ropa interior sucia tirada por todos lados y muchos cassetes de video juegos en el suelo, ya que MIKE es un fanático de los video juegos(sega, nintendo) y dice: "me tengo que mantener haciendo algo todo el dia si no me vuelvo loco". Tiene razón porque sabemos que MIKE es hiperactivo.

La conflictiva gira se extendió a 18 meses por el éxito y porque toda Europa lo pedía a gritos. El desgaste entre los integrantes era evidente. Todo el mundo veía como nadie quería a JIM, porque nunca estuvo de acuerdo con la musica de “Angel Dust” y además en concierto no hacia nada por mejorar las cosas. Tocaba y se iba sin hacer nada con el grupo. MIKE se encargo de ridiculizarlo delante del público, lanzándole botellas de agua y haciendo juegos de palabras entre él y el público sobre JIM.

Aparte, la forma de comportarse de MIKE en directo se había convertido en algo sádico y masoquista, ya que se golpeaba en el suelo, pasaba más tiempo en el suelo que de pie, llegándose incluso a lesionar los tendones de la mano izquierda, dejándola sin movimiento por dos días. Después de los conciertos tenía que tomar pastillas para desinflamar sus piernas y espalda. La tensión creció pero esto nunca se noto en cuanto a calidad de concierto incluso la prensa mundial decía que no había otro grupo más sólido que FAITH NO MORE. Al final de la larga gira EL 30 de noviembre de 1993 JIM fue expulsado del grupo y al preguntarle la razón por la que fue expulsado, él se limitó a decir dos palabras "MIKE PATTON". No deja de ser una ironía que JIM fuera quien trajo a MIKE a FNM y MIKE fue el principal motivo para que él fuese expulsado.

Al finalizar la gira de “Angel Dust” quedó demostrado que MIKE era otro y entonces se le hizo la clásica pregunta sobre la masturbación a lo que él contestó "Sigue siendo igual que antes solo que ahora lo hago enfrente de la gente, una vez estuve con una chica en Filadelfia todo el día y terminamos en mi cuarto y yo me masturbé enfrente de ella, esto es lo que yo llamo sexo seguro

Inmediatamente después de la gira, MIKE se juntó con MR BUNGLE para hacer una pequeña gira. Durante las presentaciones en vivo el siguió con sus locuras, como lanzarse a la batería destruyendo los instrumentos o arrojándose al publico e iniciando la acostumbrada guerra de escupitajos. Su desquiciamiento llego a el limite cuando en una ocasión en fin de año MR BUNGLE compartía escenario con Primus, MIKE estaba cantando cuando alguien del publico le lanzó una bota, ante lo cual él la agarró, sacó su pene y comenzó a orinar dentro del la misma para luego beberse el contenido y brindar por el año nuevo y la salud de todos: "Salud a todos y feliz año nuevo, hijos de perra”.

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July 03

Mike Patton: vida y miserias de un cantante único capítulo I

(Articulo sacado de información de diversas webs)

MICHAEL ALLAN PATTON nació el 27 de enero de 1968 en Eureka , California. Vivía en una casa roja en la mitad del bosque y lejos de cualquier vecino. Lo creas o no, el nombre del bosque era “Sherwood”, como el de la historia Robin Hood, y se situaba a veinte minutos de la población más cercana, o sea Eureka. La habitación de MIKE se encontraba situada encima del garaje apartada del resto de las habitaciones de la casa y la cual contaba con una rara ventana octagonal en la parte alta. Entre sus cosas había múltiples objetos, digamos "raros", del tipo de máscaras y velas negras y cosas así. Vivía con sus padres (ella cuidaba niños y él entrenador de fútbol americano), además de su hermano, con el que apenas tenía alguna relación.

Su niñez transcurrió sin incidentes, él siempre estaba asustado por todo, por no ir bien en las clases, asustado de no ir a la escuela, no arriesgaba nada, todo fue muy seguro. Se quedaba en casa con sus padres los viernes por la noche en lugar de salir a divertirse con sus amigos. Por muy raro que parezca, lo que él quería ser era meteorólogo y se pasaba la vida viendo los canales del pronostico del tiempo y solía hacer maquetas del pronóstico e iba y se las entregaba a sus familiares y algunas tiendas del pueblo, a menudo acompañaba a

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